19
Dec
2018
El origen de las Artes Gráficas del Budismo
El arte budista es la implementación artística que es perseguida por el budismo. Incluye medios artísticos que idolatrizan a los Budas, bodhisattvas y otras formas de figuras budistas notables, tanto antiguas como míticas.
El arte budista explica las escenas de las vidas de todos los mandalas y otros gráficos que ayudan a la práctica, así como objetos físicos relacionados con la práctica budista, tales como vajras, campanas, estupas y diseños de templos budistas.
El arte budista se originó en el subcontinente indio tras la vida histórica de Siddhartha Gautama, del siglo VI al V a.C., y evolucionó posteriormente mediante la unidad con otras culturas a medida que se difundió por toda Asia y el mundo.
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Sinopsis Breve del Desarrollo de las Artes en el Budismo
Existen dos líneas de desarrollo a discutir, la india y la tibetana. En primer lugar, cuando en este universo la duración de la vida humana estaba en declive desde su longitud original de cien mil años, apareció un rey llamado Jiktul.
Cuando uno de sus súbditos, un niño brahmán, murió, el padre se acercó al rey con la súplica. Es debido a que usted no gobierna este reino de acuerdo con el dharma que mi hijo ha encontrado esta muerte prematura.
El rey fue inmediatamente del brahmán a Yama, el señor de los muertos, en cuya presencia asombrosa y resplandeciente rindió homenaje y demandó: Por favor, devuélvame la vida de este hijo del brahmán.
El señor de los muertos respondió: No fue mi culpa, sino el agotamiento de su propio karma.
Con el rey insistiendo, ¡Devuélvelo! y el señor de la muerte respondiendo, No es apropiado hacerlo, discutieron hasta el punto de los golpes.
Entonces, el dios Brahma apareció, diciendo: Cuando el karma de un individuo se agota, no se puede culpar al señor de la muerte.
Sin embargo, dibújame un retrato de este joven brahmán. El rey dibujó un retrato exacto del niño, que Brahma bendijo, haciendo que cobrara vida y enviándolo de regreso a su padre, el brahmán.
El rey y el señor de la muerte quedaron atónitos y asombrados. A partir de entonces, al rey se le otorgó el título de primer artista; en un momento, visitó el reino de los dioses Brahma para solicitar instrucción en las artes gráficas.
El gobernante de los dioses Brahma y Visvakarma le hicieron hincapié en la importancia de estas artes con las palabras: El más excelente de las montañas es Sumeru, el primero entre los nacidos del huevo es el águila, el supremo entre los hombres es el emperador; igualmente, el primero entre las habilidades son las artes gráficas y, oh rey, de esta manera todas las demás habilidades y oficios dependen del artista.
Basaron (su acción presente de) la proporción correcta principalmente en la forma ideal de un monarca universal, y expusieron los defectos de la falta de división y las ganancias y méritos de la proporción correcta, y así sucesivamente. La ciencia de las artes y oficios se desarrolló a partir de esto, siendo el primer proponente humano el rey Jiktul.
Representación de las Artes en el Budismo
En cuanto a las representaciones de la forma del buda, estas son de dos tipos: pinturas y esculturas. La imagen pintada tuvo su origen en el país de Magadha, en el centro de India.
Dos reyes de Magadha, Bimbisara y Utrayana, tenían la costumbre de intercambiar regalos. En un momento, en respuesta a la presentación del rey Utrayana de una gema invaluable montada entre piedras más pequeñas, el rey Bimbisara concibió la idea de presentar a su aliado un retrato pintado de su maestro, el Señor Buda.
Pero el artista estaba tan abrumado por el esplendor del Buda que no pudo dibujar al mirarlo directamente. Cuando se presentó la circunstancia al Buda, él dijo: Vamos juntos a la orilla de un estanque claro y límpido, donde el Buda se sentó junto a la orilla del estanque, mientras el artista esbozaba su dibujo basado en el reflejo en la superficie del agua, rodeando la figura central con diseños que simbolizaban los doce nidanas.
Cuando Utrayana echó un vistazo a este retrato por primera vez, tuvo una comprensión intuitiva de la realidad. Este estilo particular se conoció como ‘la imagen del Sabio tomada del agua.’
Historia de las Artes Budistas
El arte de la escultura budista comenzó con Anathapindika (un rico patrocinador), quien un día invitó al Buda y a sus monjes a una comida al mediodía.
Cuando notó que el Buda había declinado la invitación y no estaba liderando la asamblea, pidió al Maestro permiso para erigir una estatua hecha de sustancias preciosas, completa en cada detalle; esto se conoció como el Maestro precioso.
Cuando el Bendito se había marchado al cielo de Trayastrimsha, el rey de Varanasi había hecho una imagen de sándalo del Buda para sus devociones personales.
Se dice que cuando el Buda descendió nuevamente al reino humano desde la esfera de los dioses, esta estatua dio seis pasos en bienvenida, tras lo cual el Bendito ordenó: “Ve a China para santificar ese país”.
Esta estatua, conocida como El Señor de Sándalo, se supone que voló por el aire hacia China.
Rahula, Vairocana y Visvakarma
Más tarde en su vida, el Bendito dio permiso para que se hicieran imágenes de su semejanza, con el fin de guiar a quienes sostienen visiones extremas.
Rahula (el hijo del Buda y uno de sus discípulos) fabricó una estatua de la forma Sambhogakaya del Buda Sakyamuni, Vairocana (conocido en tibetano como rnam snang gangs chen mtsho), hecha de muchas joyas preciosas del reino naga.
En otro momento, Sakra, el señor de los dioses Trayastrimsa, estaba preparando erigir una estatua del Maestro en metales y joyas preciosas, pero Visvakarma (el artesano celestial) no pudo determinar correctamente la medida del pie del Maestro; pensando en el Buda y orando a él, llegó a la presencia del Maestro.
Junto con varios artesanos divinos, entonces fabricó varias imágenes del Buda en diversas etapas de su vida a los ocho, doce y veinticinco años de edad.
El Maestro mismo adoró estas estatuas bañándolas en su resplandor. La estatua de él a los veinticinco años fue llevada al reino de los dioses, la de él a los doce años a China y la de él a los ocho años a Nepal.
Se quedaron en esos lugares durante muchos años, después de los cuales las dos últimas fueron llevadas a Tíbet y consagradas en los templos de Rasa y Ramoche.
Después del parinirvana del Maestro, había pocos artesanos excepcionales entre los seres humanos ordinarios, por lo que muchos artesanos divinos emanaron como humanos.
Artista Brahmán de Magadha
En la ciudad de Magadha, aparecieron tres hermanos brahmanes; el mayor, llamado, erigió un templo y una imagen hecha de piedras preciosas en Sarnath, cerca de Varanasi, donde el Buda enseñó por primera vez; el hermano del medio, Lekgval, construyó un templo y una imagen del Maestro, hecha de tierra de los grandes ocho lugares sagrados del budismo, en el Bosque de Bambú en Rajagrha; y el más joven, el brahmán Gaywa, creó una imagen del Maestro en el momento de su logro de la suprema iluminación, en el santuario de Bodh Gaya.
Desde el tiempo de estos tres hermanos, las tradiciones de la pintura budista, escultura y diseño de templos se hicieron ampliamente conocidas, y los patrocinadores budistas comisionaron muchas estatuas y estructuras. Toda esta actividad tuvo lugar dentro de los cien años posteriores al parinirvana del Maestro.
Durante el reinado del rey budista Ashoka, muchos artesanos que eran nagas (dioses serpiente) o yaksas (criaturas no humanas similares a trolls), es decir, de origen no humano o semi-divino, desarrollaron estilos innovadores en las formas de estatuas y estupas, que fueron representados por las estructuras en Bodh Gaya y las estupas erigidas en los principales lugares sagrados budistas.
En tiempos posteriores, durante el reinado del rey Sangyay Chok, un artesano llamado Bimbasara introdujo estilos maravillosos de escultura y pintura que recordaban a los de los artistas divinos anteriores.
Sus numerosos seguidores se conocieron como la línea de artistas divinos, y él mismo, habiendo nacido en Magadha, fue llamado el artista del país central.
Artista Trengdzin de Maru
Nuevamente, durante el reinado del rey Ngangtsul apareció un artista de la región de Maru, conocido como Trengdzin, que era increíblemente hábil en el arte iconográfico budista.
Su estilo de pintura y escultura, que se asemejaba al de los artistas yaksa, se conoció como el estilo occidental o el corazón del oeste.
Artista Dheman de Varentra
Durante los reinados del rey Devapala y Sridharmapala, apareció un artista de la región de Varentra llamado Dheman y su hijo, Vitsali.
Estos dos desarrollaron numerosos estilos en fundición, trabajo en relieve y escultura, que llevaban semejanza con los estilos de los artistas naga.
Padre e hijo establecieron dos estilos distintos de expresión artística, el hijo estableciéndose en Bengala; sus seguidores crearon obras de arte en toda India, pero el estilo se conoció como el del Dios del Este, independientemente de los orígenes del artesano.
En pintura, la escuela del padre se identificó como la escuela oriental y la del hijo como la escuela central.
Tres Artistas Jina, Paranjaya y Vijaya
En las líneas de Pukon y el sur de India, tres artistas Gyaliis ra (rgyal ba, Skt. Jina), Shenlay Gyalwa (gzhan las rgyal ba, Skt. Paranjaya) y Nampar Gyalwa (rnam par rgyal ba, Skt. Vijaya) desarrollaron estilos de pintura y escultura que fueron ampliamente imitados.
Artista Songtsen Gampo
Primero llegaron las influencias chinas en las artes gráficas; Songtsen Gampo, el rey religioso de la Tierra de las Nieves, durante principios del siglo VII d.C.
Songtsen Gampo fue un innovador consumado en muchos campos; al darse cuenta de la necesidad de tomar a la princesa china Kongjo como su reina para facilitar la introducción del budismo en Tíbet, empleó varios medios para organizar la unión.
Cuando ella fue escoltada a Tíbet, se trajo por adelantado una estatua del Señor Sakyamuni Buda y otras imágenes muy sagradas, así como textos médicos como una especie de introducción a la doctrina budista.
Hay numerosas referencias a esto en los registros dinásticos y la biografía real de Songtsen Gampo.
Influencia Nepalí en el Arte del Budismo
Las influencias nepalíes se introdujeron durante el reinado del rey Triral (khri ral pa can), quien nació en 1410 E.B.
Durante la primera parte de su vida, cuando se estaba construyendo el templo de Tashi Gaypel (bkra shis dge phel), convocó a muchos artesanos nepalíes y los puso a trabajar en la construcción del templo. Debido a este impacto, el estilo nepalí se desarrolló en el Tíbet central y occidental.
1889 Parinirvana del Buda
Mil ochocientos ochenta y nueve años después del parinirvana del Buda. Orgyen Lingpa reveló algunos textos explicando el diseño gráfico desde su lugar de ocultación en el Acantilado de Cristal en Yarlung.
Sin embargo, esta tradición se desarrolló muy poco, se comprometió con las dos tradiciones anteriores (de estilos chino y nepalí), y nunca emergió como un estilo distinto por derecho propio.
Un maestro llamado Taktsang Lotsawa hizo una peregrinación a Bodh Gaya, donde hizo una impresión de la estatua central allí empapándola con agua de saffi y presionando un paño sobre la superficie; se dice que sus poderes milagrosos hicieron que esta impresión de paño extendiera sus manos en bendición a quienes la contemplaban.
Esta impresión se utilizó como ejemplo para los artistas tibetanos, pero este estilo se mezcló con las escuelas Gardri y Menri.
1984 Parinirvana del Buda
En 1440 d.C., mil novecientos ochenta y cuatro años después del parinirvana del Buda, por Menla Dondrup, quien nació en Lhodrak Menthang.
Era una persona muy erudita; dejó su tierra natal debido a diferencias con su esposa y se fue a la provincia de Tsang.
Allí conoció a un artista llamado Dhopa Tashi Gyatso, quien era un experto en el estilo nepalí. Después de estudiar pintura con él, Menla Dondrup revisó los estándares de proporción para los diversos motivos religiosos, composición y diseño, y desarrolló nuevos pigmentos y técnicas de textura.
Este nuevo estilo que desarrolló y difundió se llamó Mend, o el estilo de Men. Algunos lo refieren como el estilo del Sur, ya que Menthang era una ciudad de Lhodrak en el sur de Tíbet; asignan el nombre en función de qué región principal de Tíbet fue la fuente de la tradición.
La designación más comúnmente aceptada, sin embargo, es Menri. Parece que este estilo fue continuado por el hijo de Menla Dondrup y su sobrino, Shilra.
Aproximadamente al mismo tiempo, Khventse Chenmo msen brtse chen mo, quien nació en Gangkar Gangto gangs dkar sgang stod, desarrolló un estilo que se desvió de las tradiciones artísticas anteriores.
Estos dos estilos, Menri y Khvenri mkhven bris, se convirtieron en tradiciones distintas. En 2189 E.B., es decir, en 1645 d.C., nació el maestro encarnado Choving Gvaiso rhos dbvings rgya mtsho en la provincia de Tsang, en el sur central de Tíbet.
Su estilo se basó en el Menri, con innovaciones en estilo, pigmento y textura, de modo que la escuela que se desarrolló recibió el nombre de Mensar, o el nuevo Men; también se le llama el estilo Tsang, en honor a su lugar de nacimiento. Este estilo se volvió muy popular en el Tíbet occidental.
El artista encarnado Namka Tashi nació en el alto Yarlung en 2044 E.B., o 1500 d.C. De acuerdo con la profecía del octavo Karmapa, el jerarca Mikyo Dorje, de que esta persona era su emanación que extendería su influencia, Namka Tashi estudió con Konchok Penday, quien a su vez fue considerado una emanación de la princesa china Kongjo; de Konchok Penday, aprendió las estrictas proporciones establecidas por el sharli de India.
También fue instruido por el quinto jerarca Sharmapa, Konchok Yenlak, y el cuarto Gyaltsap Rinpoche Drakpa Dondrup, para pintar en un estilo distintivo.
Este estilo debía basarse en numerosos ejemplos que la pintura en rollo china ofreció al quinto jerarca Karmapa Deshin Shekpa por el emperador Ming Yung Lo de China; las máscaras dibujadas por una multitud de artesanos testigos del milagro cuando Rangjung Dorje mostró su rostro en la luna llena al emperador, que se llaman dashelma, y un thangka o pintura en rollo china llamada Terwa Rawama que representa a los dieciséis arhats de la tradición budista temprana.
Además, se dirigió, este estilo debía incorporar elementos de tres países: las formas debían estar de acuerdo con los estándares indios, el color y las texturas debían ser por el método chino, y la composición debía ser a la manera tibetana.
La tradición artística que Namka Tashi estableció así, basada en estas instrucciones, se conoció como el Karma Gardri, o el estilo de campamento del Karma.
La palabra camp en el nombre se refiere a la costumbre de los primeros jerarcas Karmapa, particularmente el séptimo Chodrak Gyatso, de llevar séquitos de cientos de personas y viajar de un lugar a otro con los artículos necesarios y el equipaje cargado en caballos y mulas.
En los puntos de descanso, se utilizaban campamentos de tiendas de fieltro como alojamientos; debido al tamaño de estas tiendas, los asentamientos temporales se referían como los enormes campamentos religiosos del Karma, o los enormes barracones que adornan el mundo.
La costumbre y las tradiciones que se desarrollaron a partir de esto se convirtieron en la llamada ‘cultura de campamento’, y en particular la pintura se conocía como el estilo de campamento.
Diferentes Fases en la Historia del Arte Budista.
Las artes de la escultura y la fundición se desarrollaron en varias fases. Durante el reinado del rey Songtsen Gampo, se construyeron el templo de Rasa Trulnang y las imágenes de Tradruk en 1186 E.B.
Las imágenes que datan de este período fueron ejecutadas por artesanos indios y nepalíes, y algunas son de origen natural. En 1354 E.B., durante el reinado de Trisong Detsan, el Guru Padmasambhava llegó a Tíbet desde India y supervisó la construcción del templo Mingyur Lhung vi drupa en Samye; y durante el reinado de Trit Ralpachen (khri ral pa can), se construyó el templo de Tashi Gavpel.
En ambas ocasiones, se convocó a muchos artistas nepalíes para trabajar en los proyectos, y de su influencia surgieron las tradiciones de esculpir en arcilla mezclada con hierbas medicinales, y fundir en metales preciosos como el metal de campana y el cobre.
Dos desarrolladores posteriores de estas artes fueron el artesano encarnado Leuchungpa y Payma Kharpa, y en 1700 d.C.
El Sordo Mudo de E y el artista encarnado Baptro, ambos considerados divinamente inspirados, fomentaron un estilo que empleaba las formas tradicionales de India.
En estas artes de escultura y fundición, no hay diferencia entre los estilos de Gardri y Menri.
Laughing Buddha Mandala
This is the mandala of Green Buddha which is traditionally the Laughing Buddha, bringer of prosperity.
